Светить — и никаких гвоздей: какие перспективы у рынка медиаискусства в России
Тема медиаарта до сих пор не раскрыта до конца: где его смотреть, зачем покупать, как монетизировать, когда большинство людей по-прежнему не понимают, зачем покупать файл на флешке с произведением искусства, — все эти вопросы волнуют культурное сообщество не первый год. Рассуждала об этом и колумнист BURO. Анастасия Постригай, но решили пойти дальше и привлекли к разговору больше экспертов — директора фестиваля светового и медиаискусства «Ночь света» Ольгу Аршанскую, его участников студию Signatura и Дениса Астахова, а еще арт-критика Лизу Савину.
ОЛЬГА АРШАНСКАЯ
директор фестиваля «Ночь света»
Медиаискусство — это больше про технологии, но в этом году тема «Ночи света», напротив, «О человеческом». Какой смысл организаторы вкладывали в нее и как художники ее раскрыли?
Культура и искусство — главные достижения человека, именно они отличают нас от всех остальных обитателей Земли. Поэтому не вижу противоречия между медиаискусством и темой фестиваля, наоборот, мне интересно больше понять про возможности арта, замешанного на технологиях, говорить с человеком о человеке. Технологии — такой же инструмент, как кисти и краски, но с расширенными возможностями, и задача художников — подхватывать все ценное, что предлагают технологии, чтобы создавать человеческое искусство.
Заданная фестивалем тема — лишь направление внимания. Не ставим художникам конкретных задач, не даем идеологических установок. Нам интересно наблюдать за их размышлениями, видением. Поэтому одни концентрируются на философских идеях, другие — на экологии, третьи — на отношениях человеческого и технологического, а четвертые — смотрят сквозь призму истории.
Какая у фестиваля «Ночь света» глобальная миссия? Это больше про популяризацию медиаискусства и культурное просвещение или про продажу арт-объектов?
Популяризация медиаискусства — пожалуй, слишком узкое определение. Думаю, что медиа- и световое искусство — максимально эмоционально вовлекающие, поэтому именно через эти медиумы люди могут постепенно прийти к большему пониманию того, что сейчас в целом актуально. После open-air-фестивалей, посвященных свету и мультимедиа, посетители могут пойти на выставки в галереи, в музеи, уже имея понимание и компетенции для осмысления и восприятия увиденного там.
Световой дизайн и медиаискусство стали ежедневным визуальным полем — их элементы окружают нас повсюду: на улице, в торговом центре, в смартфоне, наконец. Избыточное «праздничное» освещение в городах, огромные экраны на фасадах — всего этого так много, что максимально важно научиться это анализировать и сравнивать с хорошими образцами. Миссия фестиваля — быть точкой развития и презентации широкой аудитории светового и цифрового искусства, площадкой для дебютов и полем для творческих экспериментов, местом встречи и сотрудничества для молодых и уже известных художников.
А как художники могут монетизировать участие в фестивале?
Если говорить о продаже объектов на фестивале — все работает опосредованно. Приезжают отборщики с других проектов и приглашают тех, кто им понравился, презентовать работу. Так, например, созданная на «Ночи света» инсталляция NIDUM от SPLACES.STUDIO после была показана на Intervals, NUR и других фестах. Есть и другие варианты — когда замечают работу и зовут на другое событие сделать что-то новое. Всегда рады, когда участие в программе дает художникам новые возможности и заказы. Особенно приятно, когда замечают дебютантов.
Как организован отбор участников?
Придумали разные способы отбора художников: часть приглашаем сами, другие приходят по опенколлам. Есть много разных форм участия — например, проводим международный конкурс для молодых художников, там решение принимает жюри. Другой формат — лаборатория, одна из которых идет прямо сейчас по архитектурному видеомэппингу под руководством Серафимы Титовой. В этом случае в первую очередь отбор ведется куратором.
Помогаете молодым талантам?
Да, у нас есть программы-коллаборации с образовательными институциями. Например, второй год дружим с НИУ ВШЭ и проводим большую педагогическую работу вместе, в результате чего студенты выходят на арт-практику сразу на фестиваль. Это удивительная возможность для них — показать работу не только экзаменационной комиссии, но и десяткам тысяч людей. В прошлом году, в рамках коллаборации с Британской высшей школой дизайна студенты-участники решили продолжить начатую работу и объединились в творческую студию MMD’s, которая успешно растет, нарабатывает известность и уже может похвастаться призами на крутых фестивалях.
ДЕНИС АСТАХОВ
дизайнер интерактивных пространств, режиссер шоу, основатель студии мультимедиа-дизайна Avocado Toast и проектного бюро Banana Bread
В свободном доступе существует множество инструментов и программ для создания проектов медиаискусства, и овладеть ими при желании может каждый. Как отличить цифровое искусство от дизайнерского проекта или проходного диджитал-контента?
Для того, чтобы понять, что перед тобой произведение искусства, нужно смотреть на автора. Любой художник может использовать какие угодно инструменты, но только в том случае, если у него есть концепция, исследование и тема, которая его волнует. Если смотреть на две картинки без какого-либо контекста, отличить их никак нельзя. Ровно так же нельзя отличить картины, продающиеся в переходе где-нибудь на Арбате, от картин начинающих художников, которые выставляют в галереях. Первое — это ремесло, интерьерные объекты, зачастую написанные неизвестно кем. Во втором случае — конкретный человек выражает то, что для него важно. С цифровым искусством ровно то же самое.
Медиаискусство — широкое понятие, объединяющее и проекты, существующие только в цифровом формате, и физические инсталляции. Что лучше продается?
У медиаискусства есть большая проблема в том, что оно, во-первых, очень зависит от локации, во-вторых, завязано на большом количестве сложных технологий. Поэтому эта форма искусства крайне сложно воспроизводима и практически не подлежит архивации (что является важнейшей функцией, например, таких институций, как музеи), поэтому эти инсталляции живут в первозданном виде один или несколько раз. Как правило, продолжает жить именно документация этих работ — фото, видео. В этом смысле более популярен формат видеоарта, потому что более копируем и, соответственно, продаваем. Безусловно, технология NFT подстегнула в какой-то момент возможность продавать цифровые активы, верифицировать обладателя и автора.
АЛЕКСЕЙ ЛОЖКИН
Представитель студии Signatura, участник фестиваля
Часто художники или дизайнеры работают в арт-группах, командах и других творческих объединениях. Расскажите о Signatura и о том, что связало участников студии.
Студии Signatura в этом году исполняется 6 лет. В основе — креативная группа художников и арт-директоров, которые создают смыслы инсталляций. Занимаемся коммерческим направлением работы, можно сказать, арт-направлением работ. То, что придумываем, иногда может много лет «лежать в столе», но каждый раз достаем это и показываем. Не бросаем идеи и разработки, и хорошим примером этому может быть недавно реализованная инсталляция «Русское поле» для фестиваля «Город будущего» в «Зарядье». Она ждала воплощения около 4-5 лет.
Большинство работ студии связано с природой, с восприятием мира и трансляцией простых смыслов. Не любим какие-то сложные концепции, которые нужно «раскапывать». Девиз Signatura — «Увидеть то, что скрыто для глаз», и это может быть в самой постановке, структуре инсталляции или материалах. Например, в проекте «Кокон» используется люминофор, который с помощью лазеров заставляем светиться, а потом он гаснет. Это может проявляться в восприятии инсталляции во временном пространстве и ее расположении.
Добавлю про формат работы: когда говорят «сейчас приедут в офис», то всегда поправляю — не в офис, а в студию, потому что позиционирую наше пространство как место, в котором творим, объединяем таланты и выдаем вдохновение, реализуя последнее через инсталляции, перформансы, концерты. Не делаем просто заказ, а всегда показываем видение студии.
Создаете как коммерческие проекты, так и объекты искусства. С чем связано сосуществование в вашей практике обоих форматов? Продаются ли инсталляции, сделанные исключительно в целях искусства?
Арт-рынок еще изучаем, нащупываем и пока не можем назвать себя только художниками. Где-то художники, где-то — студия. Понимаем, что когда есть один художник, то публикой это воспринимается гораздо лучше. Сейчас, например, у нас в разработке медиаскульптуры и разные другие формации, которые готовим к реализации, делаем прототипы, презентуем внутри, получаем фидбэк и движемся дальше. Есть многие технические моменты, которые нужно воплотить, скульптуры создаются уже с использованием современных технологий, и некоторые особенности технологий нужно просто изучить и понять, чтобы представить финальную работу обществу.
Технологическое искусство, art&science, медиаискусство — часто звучит непонятно (а иногда и пугающе) не только для обывателей, но и для галеристов. Какие еще сложности есть в процессе презентации и продажи проектов медиаискусства?
Многие, например, не понимают, как реализована наша инсталляция «Кокон». Есть запросы на то, чтобы ее где-то показать, но первая проблема в реализацией показа инсталляции в том, что необходим большой бюджет для ее технического оснащения. Просто показать саму скульптуру «Кокон» без наполнения возможно, но это будет иначе восприниматься. Сейчас показываем ее в парке «Зарядье» на фестивале «Город будущего» в виде выросшего из земли кокона, обрамленного ветками. Оставили только внутреннее свечение лазеров, потому что внешнее нельзя по технике безопасности.
Столкновение продажи медиаискусства и реализации в том, что клиент, заказчик или покупатель должны быть готовы к пониманию того, куда это должно встать, а также что это временно. Чтобы сделать постоянную экспозицию, нужно закупать оборудование, дальше возникают сложности по площадке: все надо грамотно интегрировать. По сути, медиаформат — это не просто про объект, это про пространство, которое создаешь и в котором этот объект существует.
ЛИЗА САВИНА
куратор, продюсер, арт-критик, галерист
Какие тренды медиаискусства наблюдаются в мире и в России? К каким формам художники чаще обращаются — тотальным инсталляциям с проекциями, видеоарту или, может быть, игровым практикам?
Медиаискусство — мне больше нравится говорить новые медиа — это отдельный художественный язык, и здесь сложно выделить какое-то доминирующее направление. Если говорим о традиционных формах, что художники чаще делают — живопись, графику, скульптуру или собирают все это в инсталляцию? Очевидно, что ситуация моделируется навыками художника, помноженными на художественную задачу. Рынок решает, но не очень, и я не склонна рассматривать конъюнктурные проекты как художественные. В случае с новыми медиа — не поверите, но ситуация совершенно идентичная. Кто-то занимается видео, кто-то работает с нейросетями, кто-то геймифицирует все подряд, кому-то повезло с бюджетом, и он делает тотальную инсталляцию с огромными экранами, проекциями или мэппингом, кто-то делает дополненную виртуальную реальность, кто-то и вовсе тусуется в метавселенной и нас туда приглашает. Чаще всего бывает, что перечисленные направления один за другим накладываются в рамках единого проекта. Поэтому новые медиа — это чаще всего работа команды, ибо любой проект в производстве — это сочетание весьма специфических навыков и большого объема машинного времени.
Создается впечатление, что в галереях и на ярмарках все еще превалируют проекты, выполненные в традиционных техниках, а медиаискусство представляют лишь избранные галереи. С чем может быть связана сложность экспонирования и продажи диджитал-арта?
Новые медиа отличаются тем, что галереи и ярмарки далеко не показатель общего состояния отрасли. Во-первых, большая часть медиаобъектов требует особого сетапа и технических условий демонстрации. Во-вторых, они не делаются под продажу — это вещи для публики, требующие значительной техподдержки. Галереи это все переварить не смогут, но смогут поддержать фиджитал, который можно продать. Хотя потенциальному покупателю до сих пор странно покупать за большие деньги файл или какую-то сложную систему, которая еще неизвестно как будет работать и кто ее будет чинить.
А где тогда смотреть цифровое искусство?
Всех отправила бы сейчас в Пермь, где до ноября идет выставка «Art&Science. Открытые тела». Зрелищные проекты, связанные с технологиями — это фестивали: нижегородский Intervals, казанский НУР, гатчинская «Ночь Света» и петербургская Gamma.
Как цифровым художникам привлечь инвестиции в проекты?
Если не говорить о продажах конкретному клиенту, который покупает фиджитал, основной рынок сформировался в сегменте B2B. Тут есть два обстоятельства — одно связано с преимущественно командным принципом работы над проектами. А второе — с набором технологических сложностей и особенностей оборудования для демонстрации, которое сам художник обеспечить не может в связи с большим количеством необходимых ресурсов — человеческих и финансовых. Поэтому медиахудожник, часто в составе команды, продает себя преимущественно за гонорар. Оплачивает его культурная институция, фестиваль, заказчик проекта (таких тоже немало, и среди них изрядное количество крупных корпораций)или грант. И это, конечно, тоже сильно отличает рынок новых медиа от привычной системы торгово-рыночных отношений.
Статьи по теме
Подборка Buro 24/7
